Les enfants trinquent

Les enfants trinquent (3)

Le 15/02/2017 Benny's Video

Mercredi 15 février 2017 à 20h
Cinéma Juliet Berto
Place Saint-André, Grenoble

Cycle "... les enfants trinquent " (3/3)

Benny's Video

(Michael Haneke, Auriche/Suisse - 1992)

« Tout système de valeurs clos porte en lui les germes de sa déviance"
Michael Hanake
« Benny's video vous percute l'estomac. »
Le Nouvel Observateur

Michael Haneke sur son cinéma
" Tout ce qu'on peut faire avec une œuvre c'est tenter de s'approcher de la complexité contradictoire de la réalité. A l'inverse, chercher à résoudre cette complexité, ou à la nier, à la passer sous silence, revient à un mensonge. Ou simplement à une incapacité à percevoir ce qui fait la richesse de la vie... Il faut plutôt essayer de se mettre à sa hauteur, d'en assumer le caractère contradictoire, ambivalent. Si j'y arrive, c'est une autre question, qui d'ailleurs ne m'appartient pas... Mais je crois que toutes les œuvres majeures témoignent de cette complexité du réel. Avec une grande rigueur."
Alexandre Prouvèze [Evene.fr, 19 octobre 2009]

La mort en direct
De son propre aveu, dans les tous derniers propos que Haneke échange avec Serge Toubiana, le cinéaste autrichien travaille au corps le "refoulement" qui continue d’avoir lieu dans son pays. L’histoire de meurtres systématiques d’il y a soixante ans, quand l’Autriche de l’Anschluss participait activement au régime nazi, Haneke la met en scène de film en film en insistant sur l’omission et la surdité qui la caractérisent chez ses compatriotes. Il s’agit avant tout de ne pas en parler. A fortiori de ne pas la montrer, naturellement.
C’est la même histoire dans Benny’s video : pour les parents qui apprennent le meurtre gratuit de leur fiston il convient de laver le linge sale en famille et que tout ça reste très soigneusement... "caché". Or le film (à la différence de Funny games) conclut sur l’importance qu’il y a, pour le sort de l’humanité, de voir et savoir ce que font les monstres qu’elle enfante : voir et savoir, c’est toute la problématique du cinéma de Haneke, exposée et creusée dans ce film de 1992. Pourquoi cet adolescent comblé, d’apparence si sage, amateur de vidéo et petit chanteur dans la chorale de son collège, se livre-t-il à ce geste gratuit ? Pour "savoir comment c’est" de tuer quelqu’un. Bien avant les travellings lents et subtils de Gus Van Sant, Haneke s’est tourné vers l’adolescent et son monde entièrement façonné par les adultes - leur morale et leurs mensonges - mais qui échappe aux adultes par cette drôle de liberté qui lui est laissée. Entre l’enfant et le cadre supérieur, il y a ce personnage flou, mutique, vacant, au seuil d’un univers qui le nourrit et le chérit (le père de Benny a ces mots stupéfiants bien après l’aveu du meurtre commis par son fils : "je t’aime"), mais que Benny vomit dans un acte que finalement lui seul sait - partiellement - expliquer. Benny tue par "curiosité".[...]
Benny’s video est un film passionnant et riche, et on se dit à le revoir que Haneke a raison là où Kubrick s’est trompé dans Orange mécanique. Car il n’y a rien après le meurtre en définitive. La vie continue, et son tourisme absurde et la lâcheté des grandes personnes. Si c’est la même question qui habite les deux films - voir et savoir - l’hyperréalisme de Haneke inscrit un fait divers dans un quotidien ordinaire bien plus troublant. Aucune affèterie, aucune lourdeur dans cette démonstration que le mal n’est pas là-bas, chez les voisins ou sur l’écran, mais bien ici et maintenant, tout près de chez vous...

Et n'oubliez les 50 ans de votre Ciné-club :
Michelangelo Antonioni, John Frankenheimer, Mel Brook, Cecil B. de Mille et Luis Bunuel
vous donnent rendez-vous à partir du Mardi 14 mars.

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Le 8/02/2017 A Bout de course

Mercredi 8 février 2017 à 20h
Cinéma Juliet Berto
Place Saint-André, Grenoble

Cycle "... les enfants trinquent " (2/3)

A bout de course / Running on Empty

(Sidney Lumet, USA - 1988)


“ Tant de qualités qui font d’À Bout de course un véritable bijou,
nous laissant un profond sentiment de libération et de mélancolie
quand survient la fin. Un film au souffle poétique brûlant d’émotions
.”
George Lucas.

George Lucas présente A bout de course.
J’aimerais profiter de cette carte blanche pour vous parler de l’immense Sidney Lumet dont on oublie de faire mention lorsque l’on évoque les grands réalisateurs de la deuxième moitié du 20ème siècle. À tort moins mis en avant par les médias que ses pairs (Scorsese, Coppola, De Palma, Spielberg, Lucas, Altman) desquels il se démarque, il n’en demeure pas moins un réalisateur essentiel.
LE CAS LUMET.
Individu à l’itinéraire passionnant, d’abord écrivain pour le théâtre, sa passion, il fit ses premières armes à la télévision où il gagna son style efficace et direct. Milieu pour lequel il continua à travailler même après sa reconnaissance au cinéma. Preuve de sa grande polyvalence il monta de nombreuses pièces de théâtre, qu’il adaptera au cinéma pour certaines. Riche de plus de quarante films, la filmographie de Lumet comporte quelques films mineurs face à une pléiade de grands films, dont la plupart prennent place dans la ville de New-York qui l’a vu grandir, comme Serpico, Un Après-midi de Chien, Le Prince de New-York. Son chef-d’œuvre de premier film, le drame judiciaire 12 Hommes en colère dont l’empreinte du théâtre est bien présente et qui narre la délibération de jurés dont l’un d’entre eux, en proie aux doutes quant à la culpabilité de l’accusé, arrive à faire changer la majorité d’opinion, comporte déjà le grand thème de son travail : la confrontation d’un individu à un groupe, à une institution. Le film apparaît être le squelette de son œuvre, et l’annonciation de son combat pour l’éthique, voulant témoigner des injustices de son temps, né des constats du chaos de la crise de 1929.[...].
MYTHIQUE RIVER
Dés les premiers plans du film, qui s’ouvre sur son personnage, une gêne se fait sentir à la vue de ce jeune et beau sportif qui affiche pourtant un regard grave. Cette figure convoque forcément celle du jeune rebelle à la James Dean – qui apparaîtra même sur un poster de la chambre de Lorna. Notons que ce poster est néanmoins recouvert par une autre illustre icône du cinéma, Charlie Chaplin. Le personnage de Danny empreinte beaucoup au cinéma muet, dans sa tristesse et l’expression feinte de la joie, simulant la normalité, forcé de mentir à son entourage afin de dissimuler sa véritable identité. Ce comportement amène une certaine schizophrénie à son personnage, caractérisé par ses lunettes qu’il met et retire sans cesse, et le fait à plusieurs reprises de se comporter comme un voleur – sa façon d’entrer chez les Philips sans y être autorisé ou lorsqu’il utilise la fenêtre pour ses allées et venues, escaladant l’arbre qui y mène. C’est cet art de la dérobade qu’incarne si bien River Phoenix, tout en nuance et sensibilité, physiquement ou par son regard fuyant, le rendant insaisissable.[...]
[extrait de la carte blanche à George Lucas, l'article complet est téléchargeable ci-dessous]

Le film dans l'oeuvre de Sidney Lumet: les fils maudits
Parmi les systèmes institutionnels démontés par Lumet, on compte la justice (Contre-enquête), la police (Serpico, Le Prince de New York), les médias (Network) mais aussi la famille (Dans l’ombre de Manhattan). Les figures de pères réels ou symboliques abondent dans son cinéma et constituent souvent un lourd fardeau pour les fils. Le dernier film du cinéaste, 7 h 58 ce samedi-là, aborde le sujet sous un angle particulièrement tragique – deux fils cambriolent la bijouterie de leurs parents - et renoue avec la veine la plus sombre du cinéaste. Si À bout de course reprend lui aussi cette thématique, il reste néanmoins à part dans la filmographie de Lumet en raison de sa grande douceur et de l’intérêt qu’il manifeste pour un personnage d’adolescent (rare dans l’œuvre du cinéaste, à l’exception d’Equus) : le passé des parents et l’autorité du père pèsent sur Danny mais n’a pas l’emprise d’une malédiction. Le film semble rejouer sur un mode apaisé le scénario de Daniel, film réalisé en 1983 et inédit en France, sur un jeune homme hanté par le passé de ses parents (inspirés du couple Rosenberg), accusés d’être des espions communistes et morts sur la chaise électrique. Si la quête de justice constituent un des fils rouges de l’œuvre de Lumet, elle ne saurait se dissocier d’une plongée au cœur de l’âme humaine, toujours envisagée comme complexe mais jamais monstrueuse. [cnc.fr]
[extrait du dossier pédagogique du CNC « Lycéens et apprentis au cinéma » téléchargeable ci-dessous]

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Le 1/02/2017 J'ai tué ma mère

Mercredi 1er février 2017 à 20h
Cinéma Juliet Berto
Place Saint-André, Grenoble

Cycle "... les enfants trinquent " (1/3)

J'ai tué ma mère

(Xavier Dolan, Canada - 2009)

“J’ai écrit le scénario en trois jours, juste après avoir quitté l’école,
rempli de griefs contre ma mère, le système éducatif. Ça a été un défouloir, une catharsis.
Je l’ai écrit comme une lettre vindicative qu’on écrit à quelqu’un sans jamais lui envoyer.”

Xavier Dolan.

La relation amour-haine d’un fils et de sa mère. Un beau film autobiographique signé par un jeune homme de 20 ans.
L’histoire du cinéma ne manque pas de films à maman qui tentent sous des formes diverses de régler leur Œdipe. Il y a ceux qui fantasment, outre-tombe, sur l’image maternelle manquante (Tout sur ma mère de Pedro Almodóvar), ceux qui chérissent sa présence (Le Souffle au cœur de Louis Malle), jusqu’à l’inceste (Ma mère de Christophe Honoré), et le désir de substitution totale (Psychose d’Alfred Hitchcock). Il fallait sans doute toute la fraîcheur et la provocation d’un cinéaste de 20 ans à peine pour oser désamorcer cette tension immémoriale par un titre conçu comme un effet d’annonce malicieusement prématuré et fallacieux. J’ai tué ma mère raconte la cohabitation difficile entre un adolescent de 17 ans, avide de liberté, de découvertes artistiques et de rencontres amoureuses, et de sa mère, peu à l’aise dans son rôle. Prises de tête bavardes autour du dîner rituel, muette irritation face aux tics du quotidien – rien, confie Xavier Dolan, présent à Cannes pour présenter son premier film sélectionné à la Quinzaine des réalisateurs, qu’il n’ait vécu ou ressenti au même âge. [...]
Il revendique un profond désir de fiction, qui passe aussi par une cinéphilie “un peu claudicante”, mais dont J’ai tué ma mère se fait à plusieurs reprises le dépositaire. Il en va ainsi des plans ralentis sur la musique de Shigeru Umebayashi, clin d’œil à In the Mood for Love de Wong Kar-wai, comme des références plus inconscientes à la Nouvelle Vague. Telles des incrustations pop dans le manteau naturaliste, de courts plans en rafales d’objets et de peintures (procédé utilisé par Godard ou Resnais) ouvrent des séquences choisies : “C’est quelque chose de ludique, et en même temps ça permet de donner en un seul geste beaucoup d’informations sur un lieu, un personnage.” Ces surgissements très plastiques trouvent leur acmé dans une scène merveilleuse de dripping (art qui consiste à jeter aléatoirement de la peinture sur un mur) mettant en scène le héros et son amant – bientôt moins occupés à peindre qu’à faire l’amour.
Plaider coupable pour un meurtre à jamais différé, c’est la condition requise pour, du statut de fils, passer à celui d’artiste et d’amant. Condition aussi pour avoir été considéré au dernier Festival de Cannes comme un très jeune cinéaste, déjà l’un des plus prometteurs d’une nouvelle génération. Pour cela, Xavier Dolan a le temps. Enfin presque : “On n’a pas la vie devant soi. C’est une phrase pour procrastiner. Il faut faire les choses avec urgence, sans les escamoter. La phrase qui me guide, c’est celle de Valéry : “Le vent se lève, il faut tenter de vivre.”
Emily Barnett [Les Inrocks, 10/07/2009]

 

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