Mardi 20 janvier 2015 - 22h - Salle Juliet Berto

Soirée d'ouverture consacrée à Bruce LaBruce

Réalisation : Bruce LaBruce, Rick Castro
Scénario : Bruce LaBruce, Rick Castro
Interprétation : Tony Ward, Bruce LaBruce, Kevin P. Scott, Alex Austin, Kevin Kramer

Jürgen Anger, écrivain prétentieux, arrive à Los Angeles. Roulant sur Santa Monica, il perd de son assurance quand apparaît Monty Ward, jeune prostitué en fuite.

Équipés d’une caméra 16mm, Bruce LaBruce et Rick Castro filment des histoires d’amour (surtout physiques) avec un plaisir sans bornes. Les références cinématographiques les plus improbables (de Billy Wilder à Kenneth Anger), la culture classique et la contre-culture, l’undergound, tout se mêle pour former un bijou rare. Hustler White éclabousse de lumière et scintille sous le soleil californien, même dans ses côtés les plus glauques...

Séance présentée par Eric Peretti, en partenariat avec le Festival Vues d’En Face

Film interdit aux moins de 16 ans - avec avertissement

Résumé

Arthur Hamilton est un homme d'âge mûr, marié, travaillant dans une banque à un poste haut placé. Un soir, il reçoit un jour un coup de téléphone de Charlie Evans, un ancien ami qu'il croyait mort. Charlie, qui l'avait déjà appelé hier, le convainc qu'il n'est pas mort, et lui propose un rendez-vous le lendemain. Hésitant, Arthur finit par se rendre à l'adresse donnée, où se trouve une blanchisserie. De là il est envoyé vers un abattoir, où il est mené dans un fourgon et convoyé jusque dans un bâtiment. Il est reçu par Ruby, qui lui explique qu'il peut s'engager dans un programme lui permettant de démarrer une nouvelle vie en échange de 30 000 dollars. Cet argent couvre entre autre les frais de chirurgie esthétique, et l'acquisition et la transformation d'un cadavre qui permet de simuler sa mort. N'acceptant pas tout de suite, d'une part Ruby le menace, d'autre part le créateur de la compagnie le convainc qu'il n'a pas d'attache solide dans sa vie actuelle. Il finit par signer le contrat....

(Source Wikipédia)

Pour la seconde année consécutive, le Festival des Maudits Films s'associe au cinéma Art et Plaisirs de Voreppe pour une séance hors les murs le samedi 17 janvier 2015.

Au programme de cette soirée "Regards Croisés / Maudits Films" : Seconds – L'Opération Diabolique de John Frankenheimer.

Le film sera présenté par Laurent Huyart, analyste filmique.

Partenariat avec l'Assocciation "Rêv'Ailleurs"

Retour vers le futur / Back to the Future

(Robert Zemeckis, USA - 1985)

Mercredi 25 juin 2014 à 20h

Salle Juliet Berto - Grenoble

« On accepte ou non, on vibre ou non à cette charge démente concoctée par ces purs cinglés de cinéma que sont ceux de la bande à Spielberg, le producteur du film. Ne projetons pas notre moralisme sur ce conte déchaîné franchement drôle, témoignage paroxystique d'une société qui ne doute de rien. »
— Louis Marcorelles (Le Monde, 30  août 1985).

« Un exploit enchanteur qui s'accompagne aussi d'un retour aux fifties, très habile, à une ancienne fureur de vivre qui fait rêver aujourd'hui, sans oublier l'hommage au rock et à ses pionniers. [...] Il faut donc saluer l'intelligence des prouesses de la mise en scène, qui ne se résume pas aux effets techniques, aux trucages époustouflants, mais réussit le mariage du style futuriste et rétro comme au temps fabuleux des surréalistes. »
— Anne de Gasperi (Le Quotidien de Paris).

Que reste-t-il aujourd'hui de Retour vers le futur ? Si le film est devenu avec le temps un modèle du genre, c'est parce qu'il possède assurément quelques atouts non négligeables : forte de personnages hauts en couleurs, originaux, brillement écrits et auxquels une pléiade d‘acteurs apporte une réelle fraîcheur (parmi lesquels Crispin Glover et Lea Thompson), l'intrigue s'affranchit du sensationnalisme qu'implique généralement le concept du voyage dans le temps pour se consacrer à l'émotion. Finalement, rien de plus impressionnant qu'une rencontre avec ses futurs géniteurs sur fond de carte postale nostalgique des années 50... Paradoxes temporels et aventure œdipienne, c'est à cela qu'est confronté Marty qui amène, par la même occasion, l'âme du rock'n roll dans une Amérique puritaine et rétrograde. Une exaltation et un dynamisme communicatif qui agit directement sur le spectateur.
Pur moment de bonheur, Retour vers le futur se révèle être avec le temps l'une de ces bandes immuables et toujours aussi jubilatoires. Vif, décomplexé, novateur, respectueux, le tour de force de Zemeckis s'impose certainement comme l'une des pépites du cinéma popcorn, une de celles que l'on revoit toujours avec autant de plaisir et ce une à deux fois par an ! 
                                                                                        Florent Kretz [http://www.ecranlarge.com]

Suite du Cycle "The Lubitsch Touch"

La 8è femme de Barbe bleue

(Bluebeard's Eighth Wife,

Ernst Lubitsch, USA - 1938)

Mercredi 18 juin 2014 à 20h

Salle Juliet Berto - Grenoble

L'art de Lubitsch s’exprime dans La huitième femme de Barbe-Bleue avec une efficacité incomparable, cette façon de mêler les désirs d’argent, de sexe et de pouvoir dans un même élan raffiné et gracieux rendant le film aussi hilarant qu’élégant. Dans ce qu’il serait tentant de considérer comme l’une des plus grandes comédies américaines de tous les temps, soulignons enfin l’extraordinaire festival de Claudette Colbert dans le rôle inoubliable d’une peste tour à tour machiavélique, candide, passionnée, sensuelle, détestable et attachante : La Huitième femme de Barbe-Bleue, une merveille absolue !
Antoine Royer [http://www.tvclassik.com]

Si Sérénade à trois (Design for Living, 1933), réalisé par Lubitsch cinq ans plus tôt, suggérait à coup d’ellipses et de symboles l’idée du triolisme, La Huitième femme de Barbe-Bleue doit être vu comme l’une des premières histoires d’amour sado-masochistes de l’histoire du cinéma ; une photo ayant servi d’affiche montrait d’ailleurs les deux protagonistes attachés l’un à l’autre par une épaisse chaîne (voir galerie). Lors de leur rencontre, Nicole a tenté de charmer Michael, et celui-ci l’a dépassé en l’ignorant - une fois courtisée, la jeune femme revêche le lui fait payer. La deuxième partie du film s’attache ainsi à décrire une relation passionnée n’arrivant à s’exprimer que dans la violence et l’humiliation. Nicole et Michael s’aiment, mais ils jouent à se détester, à se brutaliser même. A plusieurs reprises, leur amour semble consolidé de la douleur qu’ils en viennent à ressentir : après avoir feuilleté La Mégère apprivoisée, il vient la gifler puis la fesser. Lorsqu’elle soigne la blessure qu’elle lui a infligée en le mordant avec de la teinture d’iode, et qu’elle lui demande si cela lui fait mal, il lui sourit en lui disant qu’elle est gentille. Plus tard, elle ira même jusqu’à engager un boxeur pour le mettre K.O., afin indirectement de stimuler sa jalousie. Et même lorsque Michael obéit à un schéma de séduction plus conventionnel (dîner aux chandelles, champagne et musique douce), elle s’échine à réveiller en lui le dégoût et la frustration (le fameux baiser aux oignons), comme pour mieux faire monter le plaisir et repousser le passage à l’acte, qui n’a enfin lieu que dans la dernière partie avec un recours primitif à la soumission et la bestialité (il arrache littéralement la camisole qu’elle lui a fait porter pour se jeter sur elle). Cette relation sidère d’autant plus que La Huitième femme de Barbe-Bleue date de 1938, et que, codes de censure oblige, les auteurs ne peuvent que la suggérer, avec une inventivité inégalée dans les recours scabreux au symbolisme et à la polysémie.
[http://www.dvdclassik.com]

Cycle "The Lubitsch Touch"

The Shop Around the Corner

(Rendez-vous, Ernst Lubitsch, USA - 1940)

Mercredi 11 juin 2014 à 20h

Salle Juliet Berto - Grenoble

Le Cinéma de Lubitsch
Il y a deux sortes de cinéastes, c’est pareil pour les peintres et les écrivains, il y a ceux qui travaillent même sur une île déserte, sans public, et ceux qui renonceraient, au nom du à quoi bon ? Donc pas de Lubitsch sans public, mais, attention, le public n’est pas en plus de la création, il est avec, il fait partie du film. Dans la bande sonore d’un film de Lubitsch, il y a les dialogues, les bruits, la musique et il y a nos rires, c’est essentiel, sinon il n’y aurait pas de film. Les prodigieuses ellipses de scénario ne fonctionnent que parce que nos rires établissent le pont d’une scène à l’autre. Dans le gruyère Lubitsch, chaque trou est génial.
Employée à tort ou à travers, l’expression « mise en scène » signifie enfin quelque chose, ici elle est un jeu qui ne peut se pratiquer qu’à trois et seulement pendant la durée de la projection. Qui sont les trois ? Lubitsch, le film et le public. […]
J’ai parlé de ce qui s’apprend, j’ai parlé du talent, j’ai parlé de ce qui au fond, et éventuellement, peut s’acheter en y mettant le prix, mais ce qui ne s’apprend et ne s’achète c’est le charme et la malice, ah, le charme malicieux de Lubitsch, voilà qui faisait de lui vraiment un Prince.
François Truffaut, Les films de ma vie (Flammarion, 1975, pp. 71-74). 

« Etrangement, le meilleur film de Lubitsch est assez peu représentatif de son auteur. Les personnages ne sont plus ces princes, ces marginaux vivant dans l'insouciance et le luxe auxquels Lubitsch nous a habitués mais des êtres ordinaires, fragiles et soucieux connaissant une situation précaire tant sur le plan social que sentimental. Le film semble influencé par le grand maître occulte de la comédie américaine de toute cette époque, Leo McCarey. The shop around the cornerobéit en effet dans ses profondeurs au système McCarey qui veut que l'émotion et le rire aient partie liée, que la meilleure comédie soit aussi la plus chargée d'universalité, la moins frivole et celle où les personnages se montrent humains, trop humains de la première à la dernière seconde du récit.
Le miracle de Theshop est que, tout en passant sur un autre registre qui leur est moins familier, Lubitsch et son scénariste, Samson Raphaelson, démontrent la même virtuosité irrésistible à tous les stades de leur travail. Une intrigue merveilleusement nouée, une interprétation subtile et variée, un contexte social décrit avec une grande acuité, quoique l'essentiel de l'action reste enfermée entre les quatre murs d'une boutique, ont permis au film de garder une jeunesse intacte. Le succès du film tint bien-sûr à son génie propre mais aussi, d'une façon plus circonstancielle, à son étonnante description de la précarité sociale des personnages et de la menace diffuse qui pèse sur leur emploi et sur eux-mêmes.Il est vrai qu'aucun film d'aujourd'hui n'a su appréhender avec autant d'humanité les craintes d'une société en proie au chômage. »
Jacques Lourcelles (Dictionnaire du cinéma, Robert Laffont).

Un jour, Ernst Lubitsch décide de tourner un vrai mélodrame juif. Il le fait avec une telle finesse, un tel raffinement, que personne ne s'en rend compte. Un film juif avec James Stewart, c'est la plus belle blague juive d'avant-guerre, un temps où les blagues juives avaient de l'allant. The Shop Around The Corner sort en 1940. Autant dire qu'il s'est écrit et tourné avant que les Allemands ne marchent dans les rues de Hongrie ou de Pologne comme si c'était chez eux. La « boutique au coin de la rue », c'est à Budapest qu'on la trouve, un coin de cet empire austro-hongrois auquel la sophistication de Lubitsch doit tant. L'intelligence lubitschienne, c'est d'abord celle des farces muettes que les parlants que nous sommes n'écoutent même plus. Ce sont ensuite ­ là, le lecteur sait de quoi ça parle ­ les grivoiseries légères de Sérénade à trois (1933, Miriam Hopkins, et ses deux amants échangistes, Gary Cooper et Fredric March), les fantaisies antitotalitaires de Ninotchka (1939, Garbo, déstalinisée par l'Amérique) ou celles de To Be or Not To Be (1942, un faux Hitler à Varsovie). Le moins qu'on puisse dire, c'est que Lubitsch n'était pas dupe. Pour un petit juif, un fils de tailleur berlinois, il s'est moins fait avoir que d'autres.
Il n'est pas explicitement question de juifs dans The Shop Around The Corner, mais de deux petits employés de Budapest (James Stewart, Margaret Sullavan), qui s'aiment sans le savoir ­ et qui vivent dans la crainte quotidienne de perdre leur emploi (d'où le succès grandissant du film à chaque ressortie). Le cinéma étant l'art de l'implicite, du sous-entendu, du suggéré (contrairement à cette «vérité», ce «réalisme», ce «naturel», dont les historiens et les imbéciles le créditent), on ne cherchera pas ici à convaincre le lecteur que ces deux-là, et les autres personnages, tous les autres, sont juifs. C'est comme ça. C'est à prendre ou à laisser. Ça se voit, ça s'écoute, ça s'entend, ça se respire, ça se vit. De Matischek (Frank Morgan), le patron menaçant mais adorable, à Pirovitch (Félix Bressart), le plus vieux des employés du magasin, celui qui se cache comme le ferait un Groucho Marx dès que le boss lui demande son opinion, ils sont tous juifs. Très peu lubitschien, au fond, comme le fait finement remarquer Jacques Lourcelles, (Dictionnaire du cinéma, Robert Laffont), ce superbe mélo social pourrait aussi bien être signé du grand maître de la comédie américaine, Leo McCarey.
LOUIS SKORECKI (Liberation, 15 MARS 2002).

SOIRÉE COURTS MÉTRAGES Carte Blanche à Pierre Yves Hampartzoumian - 74mn MARDI 10 JUIN à 20h Sup d'élec / Première / Ça caille à l'ombre / Fin de série / Sans voix L’occasion de rencontrer une étonnante galerie de portraits : André le gardien d’immeuble, Anna et son hameau de naissance, Ludovic pianiste surdoué, ou encore Jeanne, sa télé, son facteur et sa fille. Et Mamy Cathy. Dans un western

Cycle " Vive la liberté "

Les Démons de la liberté (Brute Force)

Jules Dassin (USA - 1947)

Mercredi 4 juin 2014 à 20h

Salle Juliet Berto - Grenoble

La réalisation des Démons de la liberté est signée par l’un des maîtres du film noir américain, Jules Dassin (La Cité des voiles, Les Bas-fonds de Frisco, Les Forbans de la nuit, Du Rififi chez les hommes, Jamais le dimanche, Topkapi, …). Après ses quelques commandes pour la MGM, la réalisation du film noir Les Démons de la liberté est une vraie bouffée d’air pour le cinéaste. Dassin plonge sa caméra dans le milieu carcéral et met en place son film noir dans la réalisation avec les nombreuses caractéristiques du genre, avec un jeu de lumière très contrasté rappelant l’expressionisme allemand, plongeant les prisonniers dans l’obscurité (Dassin la renforce avec l’utilisation de la pluie, des personnages avec un passé très complexe, des meurtres, des espaces très restreints (les cellules), de nombreuses scènes obscures, des femmes fatales (dans les rêves des prisonniers), … . La photographie en noir et blanc de William H. Daniels avec ce travail sur les lumières est en tout point remarquable et apporte beaucoup de brutalité et renforce le personnage inquiétant de Munsey. Mais là où Jules Dassin se démarque des films noirs, c’est dans le réalisme qu’il donne à ses scènes se rapprochant du style documentaire, suivant de près les activités des prisonniers. La violence et la brutalité n’aura jamais été aussi vraies que dans le film de Dassin, à la fois psychologiques et physiques, grâce à une mise en scène très musclée comme dans les dernières scènes, magistrales, de l’évasion. Efficacité dans l’image brutale, Dassin assure tout au temps dans la profondeur du film lorsqu’il opte de nous dévoiler les rêves des prisonniers, celui de Lancaster est formidable par son émotion. Dassin se rapproche alors de ses personnages (avec de nombreux plans fixes sur les visages) pour capter toutes leurs émotions et accentuer le ras bol et l’épuisement de ces derniers. On notera aussi la belle partition comme à son habitude de Miklos Rosza.
Les Démons de la Liberté est la consécration internationale pour Jules Dassin et la confirmation du grand talent de Burt Lancaster, le cinéaste continuera sur sa lancée avec le chef d’œuvre Les Forbans de la nuit avant de s’envoler vers l’Europe.
[http://blogaudessusducinema.over-blog.fr/article-critique-les-demons-de-la-nuit-108186028.html]